Портативная акустическая система

Гуманитарные науки

Гуманитарные науки

Биржа студенческих   работ. Контрольные, курсовые, рефераты.

Биржа студенческих
работ. Контрольные, курсовые, рефераты.

Студенческий файлообменник

Студенческий файлообменник

Выполнение 
работ на заказ. Контрольные, курсовые и дипломные работы

Выполнение работ на заказ. Контрольные, курсовые и дипломные работы

Занимайтесь онлайн 
        с опытными репетиторами

Занимайтесь онлайн
с опытными репетиторами

Приглашаем к сотрудничеству преподователей

Приглашаем к сотрудничеству преподователей

Готовые шпаргалки, шпоры

Готовые шпаргалки, шпоры

Отчет по практике

Отчет по практике

Приглашаем авторов для работы

Авторам заработок

Решение задач по математике

Закажите реферат

Закажите реферат

Московский концептуализм. Круг художников Советская пейзажная живопись Медиаискусство Филип Перлстайн Баухауз Русская глиняная игрушка Виды и жанры искусства

Основные направления и виды в искусстве

Оп - арт - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Оп-арт (англ. ор art, сокращ. от optical art - оптическое искусство) - направление в искусстве XX в., получившее широкое распространение в 1960-х годах. Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции (см. кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя.

Направление оп-арта зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, хотя на сей раз иной его разновидности - геометрической абстракции.

Его распространение относится к 60-м годам 20 в.

Первые опыты в области Оп-арта относятся к концу 19 в.

Уже в 1889 г. в ежегоднике Das neue Universum появилась статья об оптических иллюзиях немецкого профессора Томпсона, который используя чёрно-белые коцентрические окружности создавал впечатление движения на плоскости: колёса на рисунках Томпсона "вращаются" и круги "переливаются". Но это было более научное исследование особенностей зрения, нежели искусство.

Но всемирную известность опарт получил в 1965г. после Нью-Йоркской выставки "Чувствительный глаз" в музее современного искусства. На выставке "Арте-Фиера-77", проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления - Виктора Вазарели, Еннио Финци и других.

Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению опарта.

принципы

Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Восприятие рисунка основано на оптической иллюзии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в голове зрителя. Оптическая живопись основывается на зрительных иллюзиях, возникающих при восприятии некоторых конфигураций на плоскости.

Например:

1. при рассматривании чередующихся черных и белых концентрических окружностей появляются пересекающие их лучи, которые вращаются наподобие пропеллера

2. чертеж куба, на котором обозначены все его ребра, оказывается для глаза неустойчивым, и его грани постоянно меняются местами, то выдвигаясь вперед, то отступая в глубину

3. при пересечении отрезка прямой штрихами может возникнуть ощущение ломаной линии

4. взаимоналожение двух геометрических (например, кольцевых) структур дает эффект волн

5. яркая и резко обозначенная форма провоцирует так называемый последовательный образ, то есть иллюзорную форму той же конфигурации и контрастного цвета

Задача оп арта - обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ "несуществующий". Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой.

Особенно сильным ударом подвергался нервный аппарат зрителя на тех выставках, где экспонировались движущиеся, светящиеся, отражающие свет и бликующие системы. Их посетители реагировали на "художественную иллюзию" головокружениями и обмороками., Находки в этой области Якова Агама, Хесуса-Рафаэля Сото, Карлоса Крус-Диеса, Хулио Ле Парка, Жоэля Стена, Джеффри Стила и других впоследствии с успехом использовались в оформлении дискотек, коммерческих выставок, светозвуковых шоу и других массовых мероприятий. Объекты в действительности могут двигаться используя механическую силу или без неё.

Чтобы достичь внешних оптических эффектов оп артисты используют материалы не относящиеся к живописи (металл стекло пластик) но имеющие отражающую поверхность. Эта же цель навела художников на мысль использовать выразительные возможности ткани и прозрачных материалов - излюбленный прием рекламы и печати шокирующий и достигающий немедленного результата.

Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Восходит к так называемому геометрическому абстракционизму представителем которого был В. Вазарели.

Виктор Вазарели (Vasarely; наст . фам. Вашархей) родился 9 апреля 1906 года в городе Печ в Венгрии. Талант живописца проявился у Виктора в юном возрасте, о чем можно судить по самой ранней из сохранившихся его работ - пейзаже, который он написал в двенадцать лет. После окончания школы, в 1925 году Вазарели начал изучать медицину, но скоро забросил занятия, отдав предпочтение искусству В 1927 году он записался в частную академию искусства Подолини-Вольк-ман, где традиционная система преподавания в значительной степени спо¬собствовала развитию его таланта рисовальщика. И действительно, именно его поразительное владение реалистическим рисунком позволило ему зараба¬тывать на жизнь искусством уже с юности. Продолжая художественное обра¬зование, Вазарели одновременно занимался дизайном рекламных плакатов -для такого типа работы главным образом требовалась точность в воспроиз¬ведении внешнего вида промышленных товаров.

В 1929 году Вазарели переводится в «Мухели», недавно открытую Шандо¬ром Бортником школу искусств. В первое десятилетие жизни в Париже коммерческое творчество главен¬ствовало в искусстве Вазарели. Но в то же время, он начал систематически применять в графическом искусстве оптические эффекты. «В ту эпоху, -вспоминал он, - я столкнулся со всеми живописными проблемами компо¬зиции, цвета, светотени, материала, двух- и трехмерного пространства, и все исследовал самым тщательным образом». Он эксперименти¬ровал с линейными сетками и полосками в таких мотивах, как зебры, тигры или шахматные доски, которые позволили ему протести¬ровать возможности работы с пространством при помощи текстур и их транс¬формации..

Вазарели рассматривал возможность открытия школы в духе Баухауза в Париже. Многие задачи, что его занимают в то время, решаются им с при¬целом на преподавание. Например, он сам перед собой ставил такие задания, как изображение объектов разными способами, которые, подобно Конфетти, объединяются в единое целое за счет мозаичного фона.

 Виктор Вазарели всегда подчеркивал необходимость адаптации искусства к специфике задания, и особое значение придавал эффекту, который будет затрагивать любое восприятие, независимо от культурного багажа зрителя.

С середины 1940-х годов Вазарели полностью освободился от «оков» ком¬мерческого искусства, хотя он всегда будет утверждать, что все его произведе¬ния взаимосвязаны, а его творчество прошло все последовательные этапы развития. «Много лет спустя, — пишет Вазарели, — я с большим удивлением осознал... что мои графические штудии в поисках выразительной формы проявились позднее в моих кинетических работах». Исполь¬зование геометрических орнаментов, что задают ритм изображению, много¬численных наложений сеток из линий и шахматной клетки, взаимодействие формы и фона, эксперименты с контрастностью в черно-белом решении -все отражает интерес Вазарели уже на раннем этапе к оптическому воздейст¬вию структур, способных оживить плоскость. Как-то раз он назвал свои «Этюды» «основным репертуаром», к которому он обращается в своих позд¬нейших поисках снова и снова. 

собственное дело по декору интерьеров, так как в военное время заказы в сфере рекламы фактически свелись к нулю, Вазарели большую часть времени посвящал своим графическим штудиям, которые все более и более выхо¬дили за рамки рекламного жанра.

После войны Вазарели снял студию, расположенную в пригороде Пари¬жа - Аркей. Там, с 1944 по 1947год, он написал множество полотен маслом, среди них Желтая кухня на Кошереле и Автопортрет 1945 года, в которых отразился поиск новых форм выразительности. Главным образом - это полуфигуры или эксперименты с полем чистой абстракции, где смешались признаки кубизма, футуризма, экспрессионизма и сюрреализма. Выставка этих картин, прошедшая в 1946 году в Галерее Дениз Рене, была с интузиазмом встречена Андре Бретоном, лидером движения сюрреалистов. Однако вскоре Вазарели решил, что он загнал себя в тупик, и уже в 1947 году охариктеризовал свои работы этого времени как произведения фазы «ложных путей». И он вновь обратился к традициям конструктивизма и геометрической абстракции. 

После того как в 1947 году Вазарели сошел с «ложных путей», он устремился к собственному варианту геометрической абстракции. И этот вариант глав¬ным образом опирался на визуальный опыт реальной жизни, который в зна¬чительной степени отличался от некоего объективного образца. Весь этот богатый визуальный опыт ассоциировался с местами, знакомыми мастеру по путешествиям или повседневному окружению, и каждое такое впечатле¬ние несло в себе импульс, из которого вырастало художественное произведе¬ние.

Летом 1947 года Вазарели провел несколько недель в небольшом городке на побережье - в Бель-Иле. И потом он вспоминал, что «период в Бель-Иле стал поворотным пунктом... Это изумительное место, и оно оказало на меня сильное и продолжительное воздействие. И хотя я уже давно выработал бе¬зусловный графический метод, еще во времена моих штудий в "Будапешском Баухаузе", а может быть, именно по этой причине, но мне захотелось рисовать, как все. У меня был альбом, акварельные краски и цветные каран¬даши, и я начал делать крохотные наброски... Я смотрел на формы Бель-Иля, что представали передо мной, и я обнаружил, что их можно перевести в эл¬липсы или овалы, и по ходу этого процесса раскрывались сокровенные связи между совершенно-различными вещами. Утром облака принимали форму гальки, море, всего лишь в нескольких метрах от берега, казалось бездонным, а волны, разбивающиеся о скалы, напоминали огромные ракушки. Даже солнце на закате искажалось и принимало форму эллипса».

Работы «периода Бель-Иль» - это гармоничные композиции, построен¬ные на сочетании цветовых пятен органической формы. В этих творениях Ва¬зарели предпринял первые шаги от фигуративного искусства к абстракции, преобразуя природные объекты в знаки, что вытеснили фигуры. И тем не ме¬нее бель-ильские композиции все еще можно рассматривать как зарисовки с натуры. Так. например, в работе Бангхор мы угадываем в разноцвет¬ном коллаже формы гальки, раковин и воды, в которой отражается свет: тут, по словам Вазарели, кажется, что в слиянии форм отразились «сила» и «движение» вселенной. Как пример пейзажной панорамы можно рассматривать и композицию Меандры , где рождается ощущение бесконечно расстилающегося горизонта. Здесь, как и в других работах этого периода форма, восходящая к кругу, увиденному под определенным углом зрения, рождает чрезвычайно сильное ощущение глубины пространства.

Параллелью бель-ильским опытам выступают первые произведения данферского периода Вазарели. И как не единожды подчеркивал сам мастер, по¬добные группы произведений, или периоды, никоим образом не отражают хронологическую последовательность фаз, которые можно было бы класси¬фицировать как линейное развитие. Он определял то, что сам называл свои¬ми «семьями работ», как группы, развивающиеся по одним им присущим внутренним связям. Различные группы работ рождались параллельно, а оп¬ределенный визуальный опыт, мотивы и идеи могли оказаться востребованы и многими годами позже. Именно поэтому многие работы имеют двойную датировку: одна дата указывает на время зарождения концепции, а другая - непосредственно на время исполнения.

И данферский период - как раз такой случай. Он уходит корнями в визу¬альные опыты 1930-х годов, которые, однако, были переведены в живопис¬ный язык лишь десять лет спустя. Само название «данфер» восходит к назва¬нию станции метро «Данфер-Рошеро». На этой станции Вазарели каждый день делал пересадку, направляясь из дома в Аркей, в свою мастерскую. «Бес¬конечные коридоры платформ, - напишет он позже - , были одеты в белую плитку с превосходными трещинами. В ожидании поезда я рассматривал эта плитки, каждая из которых представляла простой, но уникальный рисунок трещин. Я смотрел на них, и в моей голове рождались образы причудливых пейзажей…». В другом отрывке Вазарели вспоминает о «величественных руинах исчезнувших городов». И снова «всматривание» в ре¬альность, соединившись с художественным воображением, вылилось в уни¬кальный и значимый опыт. Но если сравнивать с Бель-Илем, тут Вазаре¬ли пошел совершенно по противоположному пути: вместо придания образам конкретного мира абстрактных фотм, он в абстрактных рисунках увидел «конкретность».

Изысканное полотно Рисункии Данфера, ставшее первым опытом по пер¬еводу в живопись впечатление от станции «Данфер-Рошеро», состоит из вертикальных и горизонтальных линий, создающих иллюзию многослойно¬го пространства. В последующих работах большие и малые цветовые поля заключаются в границы волнистых линий, и такие творения, как Сиань 2, Дарджилинг или Помпари воспринимаются, скорее, как пространственные композиции из цветовых слоев, расположение которых хотя и скоординировано друг с другом, но тем не менее предполагает амбивалентность. В отличие от большинства работ бель-ильской группы, в этих работах уже нет характерных черт классической композиции – они тяготеют к гомогенной структуре, лишенной определенного центра притяжения внимания, которое рассеивается по всей поверхности холста.

Искусство отображает мир целостно. Главным предметом искусства является человек, общественная жизнь. Но оно способно отобразить любые доступные восприятию и интересные для людей явления окружающего мира, всегда воссоздавая их соотносительно с человеком, словно пропуская их через призму его жизни (например, вещи в натюрморте говорят о человеке, пейзаж воплощает его чувства). Круг явлений реальной действительности, который изображает искусство, отражается в содержании. Это содержание воплощено в чувственно воспринимаемой форме, которая создается посредством материалов и приемов, особых в каждом искусстве. Художественная форма представляет собой конкретную, многогранную структуру произведения, созданную при помощи особого изобразительновыразительного языка и воплощающую его образное содержание. Совершенными художественными произведениями называются такие, где достигнуто полное единство содержания и формы, замысла и воплощения, идейной направленности и мастерства. Это единство является основой красоты искусства. Воплощая идеал художника (его представления о современной жизни), произведения искусства создаются по законам красоты, становятся воплощением и олицетворением прекрасного.

ВХУТЕИН: (Высший художественно-технический институт) Учебное заведение в Москве, созданное в 1926 в результате преобразования ВХУТЕМАСа. В основном ВХУТЕИН сохранил его структуру, коллектив преподавателей и педагогические принципы. В период 4-летнего существования ВХУТЕИНа его педагогическая система постепенно эволюционировала в сторону возврата к традиционным методам обучения, ориентированным главным образом на подготовку художников-станковистов; меньшее место в работе института уделялось подготовке художников-конструкторов.

Николай Александрович Ладовский Если конструктивисты группировались вокруг братьев Весниных, то у рационализма абсолютным лидером был Николай Александрович Ладовский. Для воспитания «подрастающего поколения» архитекторов Н.Ладовский создал мастерскую Обмас (Объединённые мастерские) при ВХУТЕМАСе.

Ташизм (франц. Tachisme - от tache - пятно), сложившееся в 1950-е гг. направление в абстрактном искусстве развивавшееся параллельно абстрактному экспрессионизму и информелю, с которыми его иногда отождествляют. Термин был введен в 1950 г. бельгийско-французским художественным критиком М.Сёфором (Seuphor) для обозначения живописной техники группы художников, среди которых главное место занимали немец Вольс (Wols — Вольфганг Шульце), француз Жорж Матьё (Mathieu), Ханс Хартунг, Пьер Сулаж, Жан Базен, испанец Антонио Саура, Эмилио Ведова (Италия), Асгер Йорн (Дания)и др.

Зрительные впечатлении от покрытой трещинами плитки переходов станции «Данфер-Рошеро», конечно, послужили своего рода визуальным сти¬мулом, однако не были единственной причиной увлечения Вазарели амби¬валентными структурами. Сделанное им открытие подобных «пейзажных рисунков» надо рассматривать в контексте его страстной заинтересованности оптическими феноменами. Кроме того, надо иметь в виду, что между 1948 и 1952 годами на развитие его взглядов так же оказали значительное влияние идеи гештальтпсихологии.

Виды и жанры искусства. Их характеристика и своеобразие.

Вид – это исторически устойчивая форма существования и развития искусства. Различают искусства – изобразительные (живопись, скульптура, графика) и неизобразительные (архра, прик. искусство). В свою очередь все виды искусства условно разделяются на станковое, монументальное, декоративное. Неизобразительное искусство разделяется в соответствии с материалом, техникой, назначением.

Обычно виды искусства подразделяются на пространственные и временные. К пространственным видам искусства относятся архитектура, декоративноприкладное и изобразительное искусство (скульптура, живопись, графика). К временным, разворачивающимся во времени, относятся музыка, театр, танец, кино и телевидение. В число временных искусств иногда включают и литературу.

Жанр – внутреннее подразделение во всех видах искусства. В изобразительном искусстве жанр определяется на основе предмета изображения.

Архитектура – вид искусства, целью которого является создание сооружений, отвечающих утилитарным и духовным потребностям людей, включая их эстетические потребности. Это совокупность характерных признаков сооружений конкретного периода всеобщей истории (арх. античная и др.), или исторической национальной культуры (арх. Индии и т.д.). Архитектура – давнейших и труднейших искусств. Архитектура с одной стороны – это искусство самое материальное, сугубо утилитарное, с другой – абстрактное, рождающееся из чисел и расчетов. Она соединяет в себе черты живописи и графики, оперирует линиями, плоскостями и цветом, и черты скульптуры, оперируя массами и объемами. Но ни живопись, ни графика, ни скульптура не связаны так с социальной средой, не отражают так выпукло эпоху и одновременно не создают ее стиль, как архитектура. Архитектура не изображает натуру. Она выражает идею определенного художественного образа. Функции: утилитарная, экономическая, эстетическая.

Зародилась в первобытном обществе. Древнейшие поселения – зачатки примитивной архитектуры. Все памятники – на 2 группы: культовая и гражданская. Принцип для всех сооружений одинаков: фундамент; несущие части (стены, колоны, столбы); несомые части (потолок, кровля, свод); венчающие части (шпили, купола). Однако: при одинаковом принципе постройки не выглядят одинаково. 2 причины: духовные (нравы, обычаи, религия); физические (природа, климат, характер строит. материалов, благосостояние).


Готика высшая ступень средневекового искусства